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4 características del capitalismo que influyen en tu danza

4 características del capitalismo que influyen en tu danza: 

Esta publicación es para bailarinas (y bailarines) que buscan ser profesionales y/o quieren expandir su conciencia artística. 

¿Cómo te beneficiará leer esta publicación?

  • Te ayudará a entender el contexto dentro del cual nos movemos, como artistas y como personas
  • Te ayudará a entender que las expectativas para artistas (en un mundo cada vez mas complejo) no se limita al talento sino que también requiere propuestas creativas relevantes —que deben ser informadas por una conciencia artística que entiende el panorama y los vacíos que necesitan atención creativa 
  • Te ayudará a reconocer oportunidades profesionales ideales para ti — como bailarina y como creadora 
  • Te ayudará a ser consciente de cómo funciona tu entorno y cómo lo puedes navegar —con una mente crítica además de un cuerpo preparado para bailar profesionalmente

¿Te sorprende leer que hay una relación entre la danza y el capitalismo? 

Si te sorprende leer que hay una relación entre la danza y el capitalismo, ¡seguro que no eres la única! Es algo que se habla relativamente poco y que es importante entender como artista.

Aunque quizás suene lógico decir, la danza responde a las leyes del capitalismo como todo lo que existe dentro de nuestro sistema mundo. Por eso, en esta publicación quiero mirar 4 características del capitalismo que influyen en tu danza y cómo las puedes utilizar a tu ventaja al igual que trascender sus limitaciones. 

De ahí, te dejare decidir por ti misma si ves la danza y el capitalismo como una rivalidad o una colaboración. ¡Y me encantaría leer tu conclusión en los comentarios al final!

¿QUÉ ES EL CAPITALISMO? 4 características del capitalismo que influyen en tu danza:

¡Empecemos por la base! El capitalismo, como sabrás, es nuestro sistema mundo corriente propuesto por Karl Marx, junto a Max Weber y Friedrich Engels. (Si quieres, puedes leer mas sobre el capitalismo y la propuesta de Marx aquí).

En esencia, el capitalismo es un sistema económico y político mundial que tiene una serie de características. En concreto, 4 de estas características del capitalismo son particularmente relevantes para tu conciencia artística: 

  1. Capital (dinero) y las clases socioeconómicas que provoca: 
    • Bajo el capitalismo se crean clases socioeconómicas específicas, que significa que el acceso a la formación artística es exclusivo. El capitalismo es jerárquico (como una pirámide), que significa que algo tiene valor justamente porque no lo puede tener todo el mundo. En líneas generales, esto significa que solo aquellas personas con suficiente capital económico (que se acumula generacionalmente y no depende solamente de 1 persona) pueden acceder a la formación artística privada. 
    • Frecuentemente pensamos que el éxito viene por mérito propio (meritocracia) cuando en realidad hay una red de factores que contribuye a nuestro éxito individual; una de estas es la clase socioeconómica de nuestras familias y sus antepasados. Tener todos los factores que han propulsado nuestra formación nos hace personas mas agradecidas y conscientes: dos ingredientes claves para la creatividad. 

2.  Énfasis en la propiedad privada (privatización del arte):

    • Bajo el capitalismo, la propiedad es privada. Con esto, hablamos de propiedad física (como una casa, un coche, un lápiz…), de propiedad intelectual (ideas, productos, creaciones), y (más implícitamente) de propiedad emocional (mi pareja, mi mascota…). En este sentido, podemos ver la privatización del arte en programas de formación artística, espectáculos de pago, música patentada, etc. 
    • Parece que en muchos sentidos esta definición es el antítesis de lo que busca el arte. El arte busca expresar, crear, compartir con generosidad, construir comunidad e impactar su entorno (esperemos que positivamente). Sin embargo, todo tiene que moldearse al sistema económico que tenemos, ¡y no tiene nada de malo monetizar el arte necesariamente! El problema es cuando vemos las siguientes dos características entrometerse demasiado…: 

3. El individualismo

    • • El individualismo tiene ver con relacionarnos con el mundo (y el arte) desde “yo” en lugar de “nosotrxs”. En danzas académicas (danzas desarrolladas en un estudio de danza en lugar de la calle) hay un enfoque en la individualidad de la bailarina —su técnica, voz creativa, calidad de movimiento, capacidad de memorización…— sobre la colectividad. Por supuesto que a la hora de crear/aprender coreografía en grupo, la colectividad se vuelve importante por estética, pero esto es una excepción al entrenamiento rutinario. 
    • •Esto nos lleva a pensar que nuestro éxito es meritocrático (basado en puro esfuerzo individual) sin considerar la red de factores que influyen en el éxito de alguien: 
        • como en qué parte del mundo ha nacido
        • qué recursos económicos tiene su familia 
        • con qué mentalidades y creencias se ha criado
        • qué cuerpo tiene (a nivel racial, a nivel de delgadez, a nivel de musculatura y salud general…)
    • •Es decir, el concepto de la meritocracia es bastante engañosa y está muy inculcada en nuestra forma de pensar y de interactuar con el movimiento. Está claro que siempre debemos entregar nuestro máximo esfuerzo a lo que hacemos; tener una conciencia de los muchos otros factores que nos influyen es complementario a este esfuerzo. Identificando qué cualidades potencian tu esfuerzo y cuales limitan tu esfuerzo es un buen comienzo, por ejemplo identificando que la piel blanca/Europea presenta una ventaja en relación a tus esfuerzos cotidianos.

4. Competencia:

    • La competencia es una característica importante del capitalismo; propone que todo lo que hace una persona individual debe ser con la esperanza de hacerlo mejor que su competencia y así ser premiada y escalar su calidad de vida. En la danza vemos este concepto también en que la idea del éxito para una bailarina viene de ser la solista / “mejor” que las artistas que le rodean. 
    • ¿Pero esta es la única manera de medir el éxito? ¿Estar en el pico de la pirámide en aislamiento de las personas en la base de la pirámide? Si es así, ¡has nacido en el momento histórico correcto! Pero indudablemente no es la única forma de medir el éxito, ya que depende de cuales sean nuestros valores. Si valoramos la comunidad y la realización humana además de la excelencia técnica, quizás podríamos entender el éxito de otras maneras menos competitivas y que aspiran a la misma calidad artística. Por ejemplo: ¿Qué impactos sociales resultan de un proyecto creativo? ¿Resulta en vitalidad y comunidad o mas bien ansiedad, depresión y aislamiento?

Enfocar aspectos colectivos como métrica del éxito marca un contraste absoluto con el individualismo y la competencia, ¿no crees? Y si eres bailarina seguramente puedes reconocer algunas de estar características del capitalismo dentro de la filosofía de enseñanza en estudios de danza… En otras palabras, nuestra práctica artística responde a las reglas del capitalismo como todo lo que existe bajo este sistema económico. 

PERO:

¿Esto es algo “malo”? ¿O “bueno”? ¿O una mezcla de las dos?

Como he mencionado, esto dependerá de tus valores personales, pero para contestar esta pregunta con mas detalle, vamos a considerar el Experimento de Milgram: 

¿QUÉ ES EL EXPERIMENTO MILGRAM?

En esencia, el experimento (del psicólogo Stanley Milgram) explora la obediencia en relación a la autoridad y cómo los valores éticos de las personas se pueden desintegrar bajo órdenes de una figura autoritaria. 

Los sujetos del experimento pensaban que el estudio se trataba de la memoria y el aprendizaje, donde ponían a un sujeto en el rol de maestro y otro en el rol de estudiante. 

Cuando un estudiante daba una respuesta errónea, el maestro debía darle una descarga eléctrica desde 15 hasta 450 voltios (una intensidad que puede provocar hasta la muerte). 

Resultados: 

A pesar de la angustia de los maestros, “el 65% de los sujetos llegó hasta el final, inclusive cuando en algunas grabaciones el sujeto se quejaba de tener problemas cardíacos.

Algunas conclusiones de Milgram relevantes a esta publicación:

Este experimento saca conclusiones en torno a la proximidad física: 

  1. Los sujetos fueron más obedientes cuanto menos contacto tuvieron con la víctima y cuanto más lejos se hallaban físicamente del estudiante

¡Esto es fascinante! En otras palabras, este experimento vio que cuanto más contacto físico había entre el maestro y el estudiante, más empatía tenía el maestro por el estudiante (y menos disposición tenía para darle una carga eléctrica mortal). 

Esto nos enseña que la danza, y el arte mas ampliamente, provee una conexión humana/física crucial para anclar nuestros valores éticos y expandir nuestra conciencia social. 

¡Qué privilegio es ser parte de un ámbito que no solo nos da salud física, mental y emocional sino que también nos ofrece salud social y sensibilidad humana!

Por otro lado, este experimento saca conclusiones acerca de la seguridad en una misma:

  1. A mayor formación académica, menor intimidación produce la autoridad, por lo que hay disminución de la obediencia y mayor coherencia con valores éticos personales. 

¡Esto también es fascinante! Cuanta más educación tenemos, más seguridad tenemos en nuestros propios valores y formas de pensar, vivir e interactuar con el mundo. 

Entonces, del experimento de Milgram podemos aprende que: 

  • Nuestros valores humanos son mas frágiles de lo que nos gustaría pensar (y por eso es tan importante cuidar nuestra conciencia en contextos grupales que guíen y estimulen nuestros proyectos de vida)
  • Cuanto más desarrollado este nuestra inteligencia (mental-corporal-emocional), menos dispuestas estamos a sacrificar nuestros valores (y al exteriorizar nuestros valores en comunidad le damos anclaje). 
  • El contacto físico expande nuestra sensibilidad humana hacia otras personas, contextos, mentalidades… en contraste con tener ideas abstractas de personas diferentes a nosotras.  

Visto de esta manera, la danza nos ofrece la posibilidad de integrar nuestra mente-cuerpo-emoción, afianzar nuestros valores sociales en base a la expresión artística y construir una comunidad que potencie esos valores en nuestro entorno social.   

¡Por todo esto existe Contratiempo! 

Valoramos el pensamiento crítico, porque vemos que la inteligencia corporal, mental y emocional trabajan en equipo. ¡Y qué bonito es que la formación artística nos de la oportunidad de desarrollar nuestra sensibilidad humana, pensamiento crítico, inteligencia corporal y salud física-mental-emocional-social todo en una misma práctica! 

—Así que ya sabes, si estabas dudando del valor de tu practica artística, ¡en esta publicación hay unas muy buenas razones por las que seguir!— 

Lo que quiero resaltar aquí es la importancia de tanto la seguridad en tu identidad individual como en tu identidad como miembro de un colectivo. Cuando tienes valores claros a nivel individual y comienzas a compartirlos en un contexto grupal, tiene el efecto de anclar tus valores y además fortalecer los valores del grupo en consecuencia. De aquí sale el lema de Contratiempo:

“Nosotrxs creamos la cultura que queremos ver”

La cultura que queremos crear en Contratiempo es: 

  • una cultura que estimula la seguridad en tí misma y también tu seguridad en la comunidad
  • una cultura donde tu voz individual tiene valor y que lo que tienes para contribuir es oxígeno para el colectivo
  • una cultura que crece y profundiza gracias a cada persona que colabora
  • una cultura donde las diferencias entre cada artista es menos importante que los puntos de conexión y como esto da lugar a una relación simbiótica entre lo individual y lo colectivo

Es decir, no queremos un ambiente donde una bailarina sea simplemente un instrumento para manifestar las ideas de un coreógrafo. ¡Todo lo contrario! Cada artista tiene la capacidad y la responsabilidad de compartir sus propias ideas, impulsos, propuestas… y así desarrollar sus capacidades y por ende fortalecer el colectivo que tanto nos nutre individualmente. 

¿COMO RESPONDE CONTRATIEMPO A LA INFLUENCIA DEL CAPITALISMO? 

Hemos mirado 4 características del capitalismo que afectan tu práctica artística: 

  1. El capital y las clases socioeconómicas que provoca 
    • (formación condicionada por solvencia económica)
  1. La propiedad privada 
    • (que en el arte puede llevar a actitudes meritocráticas, incluso posesivas)
  1. El individualismo y el consecuente estilo de vida jerárquico (piramidal) 
    • (en lugar de aprender de manera horizontal y crear profundas conexiones humanas)
  1. La competencia 
    • (que margina la comunidad de las metas del día a día)

En Contratiempo entendemos que el arte y el capitalismo se contradicen en varios aspectos —como en el enfoque comunitario/individual, competitivo/generoso, “yo” versus “nosotrxs”. 

Sin embargo, también entendemos que estamos en un mundo capitalista donde es necesario generar capital para vivir. 

Entonces, para crear un puente entre estas contradicciones, en Contratiempo nos hemos comprometido a las siguientes 3 iniciativas:

  1. Ofrecer clases abiertas (gratuitas) para quien quiera/necesite bailar sin preocuparse del presupuesto
  2. Ofrecer 2 becas medias cada año para bailarinxs de bajo ingreso 
  3. Ofrecer grupos de lectura para expandir nuestra conciencia socio-política mediante la lectura, el debate y la reflexión.  

CONCLUSIÓN

En conclusión, el capitalismo es el sistema mundo que nos rodea por lo que es inevitable que condicione nuestras metas y filosofías de vida hasta un cierto punto. Incluso podemos ver ciertos aspectos como una ventaja (por ejemplo que nos empuje a llegar a nuestro máximo potencial). 

Sin embargo, impone también una serie de limitaciones a nuestro desarrollo humano que justamente tu práctica artística puede confrontar. ¡Y qué bonito es poder ser parte de una disciplina que busca expandir nuestra humanidad, conciencia y salud (social, física, mental, emocional, espiritual…)! 

¿Y tú?

¿Y tú qué piensas de todo esto? 

¿Crees que hay una rivalidad o una colaboración entre la danza y el capitalismo?

¿Te sientes parte de una comunidad artística que busca tu bienestar individual y comunitario? 

¿Estás de acuerdo o en desacuerdo con lo que has leído aquí? 

¡Me encantaría escuchar que te ha hecho pensar y sentir esta publicación! 

¿Dejarías un comentario? 

¡Te leo! 

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CONOCE LAS NOVEDADES

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Tonificación + Estiramiento

_Daniela

Clases de Tonificación y Estiramiento: utilizarás ejercicios de pilates y de yoga para enfocar la tonificación de tu cuerpo en los músculos internos y estabilizadores.

Mediante la tonificación de tu cuerpo entero – el suelo pélvico, los abdominales, los brazos, los glúteos, las piernas y la espalda – sentirás como tu cuerpo se organiza, suelta tensión y mejora la postura naturalmente.

Emparejarás este trabajo con el estiramiento para elongar tus músculos y mantenerlos sanos y ágiles.

Indudablemente es una combinación que tu cuerpo te agradecerá al final de la semana.

Laura
(Ballet + Contemporáneo Infantil)

Bailarina profesional graduada en el conservatorio profesional de danza Antonio Ruiz Soler de Sevilla en la especialidad de danza contemporánea y graduada en derecho por la Universidad de Sevilla.
Se ha formado en danza clásica y contemporánea con profesionales como Ramón Oller, Pilar Pérez Calvete y Raúl Heras pasando por el Centro Andaluz de Danza y siendo parte de diversos laboratorios coreográficos y de danza experimental con Adrián Manzano, Mario González, Esther Moreno y Antonio León. 
Ha complementado su formación con otros estilos como comercial, urbano y heels con numerosos docentes a nivel nacional. 
 
Trabaja tanto en acompañamientos artísticos con Julianna Ropero en Sevilla de Moda y YOU GOT IT, como en proyectos coreográficos y audiovisuales de TED Loyola junto a la coreógrafa Marta Toro y Acceptus Producciones en Sevilla Creativa.

Además se ha centrado en los últimos años en la enseñanza, especializándose en pequeños desde los tres años y adolescentes siguiendo un método de aprendizaje en el que se combinan disciplina y diversión.  
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Daniela
(Contratiempo Málaga)

Daniela es la líder de Contratiempo CAMEI. Es una emprendedora apasionada, artista innovadora y profesora de contemporáneo, jazz y ballet. Su visión es crear un espacio artístico holístico donde se puede desarrollar la inteligencia corporal, emocional e intelectual a la par y donde toda persona se pueda sentir bienvenida; donde se pueda bailar por diversión y también por aspiración profesional y donde podamos crear cultura (en actitud social y en material artístico) de forma comunitaria.

Es licenciada en Danza y Estudios Internacionales de la Universidad de California, Irvine (Estados Unidos) y ha impartido clases de ballet, jazz y contemporáneo tanto en Málaga como en California. También ha desempeñado varias investigaciones académicas relacionadas con la danza y el cuerpo en el contexto internacional, buscando hilos conductores entre el arte y su contexto socio-político.

Ha vivido en Argentina, Estados Unidos, Marruecos, y España y reconoce que cada uno de estos lugares ha influenciado su perspectiva creativa y estilo de enseñanza — que es acogedor, divertido, analítico y que pone un alto valor en la musicalidad y la improvisación, musicalidad y la construcción de a comunidad. Proyecta crear una compañía multidisciplinar que abarque música, danza, poesía, pintura y diseño gráfico tratando temáticas sociales relevantes para estimular pensamiento crítico, diálogo y nuevas expresiones artísticas comunitarias.

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Atenea y Jimmy
(Swing Monkeys)

Atenea

Bailarina de profesión y vocación. Descubrió el Lindy Hop en Tenerife, su tierra natal, aunque su formación se inició en Madrid. El baile siempre ha sido parte de su vida. Se ha formado en diferentes disciplinas como Contemporáneo, Blues, Fusión, Claqué, Rock and Roll, entre otros. Para ella, el movimiento corporal conforma un todo, independientemente de las distintas técnicas de expresión.

Antes de unirse al equipo Swing Monkeys, ha impartido clases regulares de Lindy Hop y Jazz Steps en las academias Círculo de Baile y A Ritmo de Swing de Madrid, así como en la asociación Lindy Monkeys de Valladolid, y ha formado parte del equipo organizador del festival “Círculo & Swing”.

En sus enseñanzas prima la alegría y la diversión compartida, a través de una técnica que regala conexión y goce de buena música.

Jimmy

Jimmy es un bailarín de Houston, Texas. Su trayectoria en swing empezó durante la universidad cuando conoció el swing por primera vez. Desde su primera clase se ha contagiado de la fiebre swing. Continuó con su formación tomando clases en Dallas, a donde se mudó después de la carrera.

En 2016, decidió mudarse a España para aprender español y buscar aquello que le apasionaba. Una vez en Europa, no paró de asistir a festivales internacionales e intensivos para aprender de los mejores bailarines al otro lado del charco. En 2017, junto con su compañero, creó el proyecto Swing Monkeys y ha estado dando clases e impulsando la. escena swing malagueña desde entonces. Tiene un estilo suave y juguetón que enfatiza la conexión y la diversión En sus clases, prioriza la calidad del movimiento y sencillez. Quiere transmitir a sus alumnxs la alegría de bailar libremente, con la música y la pareja como guía.

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Rafa Frías
(Teatro Impro)

Improvisador, monologuista y presentador. En 2010 inicia su carrera como monologuista, en el Teatro Cervantes de Málaga. Desde entonces ha cosechado numerosos premios a lo largo y ancho de la geografía española. En 2013 aterriza en Madrid y descubre el Teatro de Improvisación gracias a “El Club de la Impro de Javier Pastor”, realizando numerosas actuaciones en locales de Madrid. Su formación continúa durante un año en Sevilla, en la escuela de improvisadores “Movimiento Impro” y un año más en Granada junto a Rafa Villena.

Ha actuado en teatros y locales de comedia de prácticamente toda España y creado espectáculos y presentaciones totalmente personalizadas para fiestas de cumpleaños, despedidas, prebodas, bodas, aniversarios, eventos de empresa, presentaciones de producto, entrevistas… Ha trabajado como presentador de eventos para varias marcas e instituciones de primer nivel, y desarrolla talleres formativos en técnicas de improvisación teatral y de habilidades para hablar en público, tanto para particulares, como empresas. Actualmente es profesor de teatro de improvisación en Málaga, con la marca Alikindoi Impro.

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Gaby
(Hip Hop)

Nacida en Buenos Aires, Argentina, ha desarrollado su profesión y experiencia allí durante 25 años. La misma incluye el área de intérprete en danza, la docencia, la dirección y puesta coreográfica, la dirección académica y artística y la proyección en el área de gestión cultural.

Su relación con el arte y la cultura ha sido a través de la danza y hoy sigue investigando y promoviendo su valor transformador como medio de expresión social. La danza urbana se convirtió en su forma de expresión en movimiento, dedicándose en el área profesional, docente y ámbitos de gestión cultural a su promoción y difusión como lenguaje corporal y coreográfico desde la formación y desde la proyección artística por su potencial cultural.

Intervenir en acciones y proyectos culturales en diversos ámbitos sociales a través de la danza extendiendo su labor al área de trabajo comunitario es su meta actual. Bailar, enseñar, crear, investigar, experimentar, proyectar son los verbos que guían su relación con la danza, el arte y la cultura.

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Mónica
(Ballet y Totalbarre)

Bailarina profesional licenciada en Coreografía e Interpretación de la Danza Clásica por la Universidad Rey Juan Carlos. Maestra registrada por la Royal Academic of Dance e instructora de Totalbarre. Cuenta con más de 15 años de experiencia como bailarina profesional, 10 de ellos en el extranjero.

Trabaja en compañías de gran prestigio como Teatro La Scala de Milán, Teatro del Maggiofiorentino, English National Ballet y English Youth Ballet. Interpreta roles destacados del repertorio clásico como Bella Durmiente, El Lago de los Cisnes, Giselle, Cascanueces, Coppelia, Don Quijote, entre otros. Durante su carrera profesional tuvo la suerte de trabajar con coreógrafos contemporáneos de gran prestigio como Massimo Morricone, Paul Chalmer, Francesco Ventriglia, Tony Fabre, entre otros.

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Natasha
(Yoga integral y Tango)

Natasha 

Bailarina, investigadora del movimiento e intructora de Yoga. Nacida en Argentina, actualmente reside en Málaga, formada desde los 11 años en la Escuela Provincial de Danzas Nigelia Soria en Ballet Clásico, Danza Contemporánea y Tango Argentino, profundiza sus estudios en el Profesorado Provincial de Danza Isabel Taboga en Danza Contemporánea y Expresión Corporal. Enriqueció su recorrido pasando por Teatro, Acrobacias Aéreas, Contact Improvisación, Performance y Yoga. En el ámbito no académico siempre siguió formándose en el camino del Tango y sus diferentes estilos y fusiones, participando de la escena local profesional desde los 17 años.

En búsqueda de la esencia más profunda del movimiento y la conexión entre mente cuerpo y espíritu decide realizarse como Instructora Integral de Yoga, por el Instituto de Medicina Tradicional China. En su trayectoria profesional en Argentina ha participado de diferentes festivales de Danza Contemporánea y Tango a nivel Nacional e Internacional. Ha integrado el equipo organizador de COBAI (Coreógrafos y Bailarines de Rosario) y del Colectivo Cultural La Chamuyera, Rosario.

 

Alfredo

Baterista, percusionista y Bailarín de Tango de la ciudad de Rosario, Argentina. Comenzó sus estudios de niño tocando Bombo Legüero y bailando Malambo. A los 13 años se introduce en el mundo de la Bartería estudiando diversos estilos. En el año 2011-2012 vive en Montevideo, Uruguay investigando los tambores de Candombe. Continúa su viaje en Brasil participando de muchos proyectos musicales, entre ellos Kina Mutembua, compañía de danzas Afro Brasileras, con los que realizó giras compartiendo y aprendiendo la extensa gama cultural brasileña. En 2015 retorna a su ciudad natal grabando discos con renombrados músicos locales como Charly Samamé, Leonel Capitano, Joel Tortul y Julián Venegas. Este mismo año se establecen como pareja de Tango junto a Natasha Barbará dando clases en La Casa del Tango Rosario y participando de festivales nacionales e internacionales.

Desde 2016 han viajado por Brasil, España, Italia, Francia, Marruecos y Portugal sembrando el Tango a cada paso.

Carlos 

(Salsa y Bachata)

Carlos Villalona, bailarín profesional de ritmos latinos formado en la escuela Orthos (2006-2009). Animador e instructor de música, bailes, teatro, ritmos y coreografías registrado en la escuela de espectáculos Olorun (2010-2012). Instructor de Zumba Zin (2013-2014).

Cuenta con una experiencia profesional muy amplia, en compañías de gran renombre como Pullmantur Cruises y Royal Caribbean Cruises durante más de 7 años viajando por todo el mundo. Formó parte del elenco de bailarines en el espectáculo “Rock never dies”, “Espectáculo tropical viva Brasil”, “Homenaje a ABBA” “Homenaje a Michael Jackson”.

Instructor de bailes latinos y Zumba en Gimnasios del territorio nacional como Go Fit y Corporesano.

Director de la empresa de animación Paqueteanimes, empresa dedicada a la creación de espectáculos y paquetes de animación a medida para cada evento (Bodas, eventos privados, hoteles, eventos corporativos).

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TANGO

_Natasha y Alfredo

Podrás aprender mediante la calidez del abrazo de Tango, lo lúdico de ésta danza popular argentina, la espontaneidad y complicidad de la improvisación en pareja, el lenguaje corporal y la música en interacción como motor del movimiento.

Si crees que eres de madera o tienes dos pies izquierdos date la oportunidad y comprueba que también eres capaz de hacerlo.

Danza CONTEMPORÁNEA

_Daniela Jamila

La danza contemporánea (originalmente danza moderna) se caracteriza por movimientos fluidos y abstractos que rompen la “rigidez” del ballet con ondulaciones, extensiones, trabajo de suelo y mucha respiración.
Nace como una rebelión contra la estructura clásica-Europea del ballet en Estados Unidos en el siglo XX en utilización de movimientos del ámbito internacional (como movimientos Afro Caribeños). Esta rebelión se corporeiza en varias ramas que hoy están codificadas, mientras que el vocabulario de movimiento contemporáneo esta bajo continua innovación.
Las técnicas de danza moderna/contemporánea más reconocidas al día de hoy son Graham, Release, Limón, Horton, Cunningham y Dunham, aunque no son las únicas técnicas que cae bajo la red de danza contemporánea.

En esta clase aprendemos a utilizar el suelo, establecer (y romper) lineas en el espacio con nuestro cuerpo, utilizar la gravedad a nuestro favor (inercia/caída y recuperación), desarrollar musicalidad, la improvisación e introducir la composición de danza desde una perspectiva contemporánea. Ofrecemos un nivel principiante-intermedio y otro intermedio-avanzado

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BALLET (por edad)

_Mónica Tapiador

El ballet es la danza clásica de Europa y se reconoce por la estructura, disciplina, postura y elongación muscular que desarrolla. En su inicio, el ballet actuaba como entretenimiento para las cortes y la realeza Europea, proyectando una sensación etérea mediante la agilidad, el control del cuerpo y el espacio, la flexibilidad y el equilibrio.

En esta clase seguimos el código de la disciplina, trabajando las 5 posiciones de brazos y piernas en la barra y en el centro — calentando y desarrollando las diferentes secciones de una clase de ballet (Barre, Adagio, Petit Allegro, Grand Allegro).

En el nivel principiante se explica y analiza el movimiento para fundar una base técnica sana y funcional, mientras que en el nivel intermedio avanzamos con más rapidez y profundizamos nuestra técnica.

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Mini BALLET

_Daniela Jamila

Mini Ballet es una iniciación al ballet para niñxs de 3-6 años, ¡centralizando el juego y la magia! Aprendemos a controlar nuestro cuerpo, utilizar el espacio, entender cómo crear formas geométricas con nuestro cuerpo y respetar el espacio de lxs compañerxs. Mediante las 5 posiciones de pies y brazos de ballet — y temáticas divertidas como Princesas Disney, Dinosaurios, Planetas…— practicamos nuestro equilibrio, desplazamientos pequeños y líricos (Adagio), saltos pequeños (Petit Allegro) y desplazamientos grandes (Grand Allegro).

Es una experiencia llena de ilusión, compañerismo, juego y estructura sana que facilita que las niñas y los niños se sientan segurxs y libres, ¡tanto en clase de ballet como fuera de ella, expandiendo su autonomía, capacidad de trabajo en grupo, conciencia corporal y creatividad!

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TEATRO IMPROVISACIÓN

_Rafa Frías

El teatro de improvisación es un género teatral donde las escenas representadas carecen de guión, basándose la construcción de las mismas en recursos externos proporcionados principalmente por el público y en la aplicación de la técnica que se imparte en los talleres formativos.

Las actrices y actores de improvisación teatral, desarrollan en escena una triple función dramatúrgica, de dirección y de intepretación, ya que en el momento presente construyen, dirigen e interpretan la historia.

Este género teatral permite desarrollar adicionalmente una serie de habilidades conocidas como soft skills, aplicables a otros ámbitos profesionales como el educativo o el empresarial.

Por tanto, el teatro de improvisación es una gran herramienta a la hora de aplicarla tanto a las artes escénicas, como para tu desarrollo personal.
Conoce los principales elementos que componen esta técnica y crea historias totalmente improvisadas junto a tus compañeros.

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SWING (+18 años)

_DSwing Monkeys

Lindy Hop, un baile en pareja de origen afroamericano, es el estilo más popular y conocido de los bailes swing. Nacido en las famosas salas Harlem (Nueva York) durante los años 20 y bailado durante toda la época de las “Big Band.”

Lindy Hop está marcado por su versatilidad y su energía dinámica. Es un baile muy alegre y libre que permite mucha improvisación.

Esta clase de iniciación es para adultos de cualquier edad y está pensada para los que tienen ninguna o poca experiencia bailando swing. En esta clase aprenderás la base y los pasos fundamentales de Lindy Hop, desarrollando conexión, técnica y musicalidad. Es recomendable apuntarse con una pareja pero si no tienes pareja con quien apuntarte, te asignamos una.

*Medidas COVID-19: No habrá rotaciones entre parejas durante la clase y el uso de la mascarilla es obligatorio.

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HIP HOP (+8 años)

_Gaby Pardo

Bailar Hip Hop es formar parte de las expresiones culturales urbanas. Dentro del área del street dance el Hip Hop es de sus máximos exponentes. La música que le dio origen es sumamente enérgica y puro ritmo, pues así es como nos movemos con ella. Es una disciplina a la que cualquier persona puede sumarse, con o sin experiencia previa, ni límites de edad.

En la clase se desarrolla un trabajo técnico y coreográfico que apunta a la construcción de herramientas desde lo corporal (disociación, traslados de peso, niveles de contracción muscular, etc.) y su adaptación a la musicalidad. Entrenamiento y expresión en movimiento a puro ritmo.

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TANGO

_Natasha y Alfredo

Podrás aprender mediante la calidez del abrazo de Tango, lo lúdico de esta danza popular argentina, la espontaneidad y complicidad de la improvisación en pareja, el lenguaje corporal y la música en interacción como motor del movimiento.

Si crees que eres de madera o tienes dos pies izquierdos date la oportunidad y comprueba que también eres capaz de hacerlo.

Daniela.
Directora e impulsora del Centro

Por esto, integré una segunda carrera de Estudios Internacionales (Ciencias Sociales) a mi formación. La combinación de estas dos carreras luego daría lugar al nacimiento de Contratiempo. Además de mi historia profesional, hubo dos experiencias en mi vida que me impactaron profundamente, y que me hicieron ver que necesitaba materializar todo lo que había vivido, hasta hacerlo tangible con este proyecto.

La primera de ellas fue una tragedia familiar que me hizo dejar mis estudios temporalmente y volver a Málaga. A pesar de mi estado frágil en ese momento, tenía una fecha límite para volver a la universidad si quería completar mi carrera. Pocos meses después decidí volver, aunque me sentía como una persona diferente y sin fuerzas para resistir las presiones universitarias. Por esto, Contratiempo es un espacio emocionalmente abierto, donde toda tu persona (incluyendo tus emociones y experiencias personales) es bienvenida.

La segunda experiencia surgió tras finalizar mis estudios, cuando decidí mudarme a Argentina para reconectar con mis raíces y llevar a cabo una investigación académica sobre las dinámicas raciales en el tango (históricas y presentes). Allí conocí a una organización antirracista (DIAFAR) que impactó profundamente mi visión de vida. Pasar de la teoría a la práctica, fue otra de las semillas de Contratiempo: el puente entre la danza y la conciencia socio-política.

Desde 2020 seguimos expandiendo nuestro espacio inclusivo y comunitario donde desarrollamos habilidades artísticas y el pensamiento crítico/consciente a la par, buscando innovar el ámbito creativo-cultural con prácticas interdisciplinares.

Desde ya, eres bienvenidx <3

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